www.youtube.com/watch?v=vos0C-tuZok

La trama è facile. Fin troppo: Ci sono tre tipi che fanno moltissimo “c’ho la maglietta Rough Trade” che, suonando nostalgicamente in una band stoner, devono sopravvivere in qualche modo. E il loro modo è preparare e servire i  pasti in un manicomio criminale. Una bella notte nel manicomio salta la luce. Il resto è kaboom.
Ma a questo punto cederei volentieri la parola a Stanlio Kubrick.
“Stanlio, cosa ci ricorda questa trama?”
“Com’è ovvio ci ricorda Juno, amico Miike, perché noi siamo paladini dell’indie vero, quello che fa dire al protagonista del film «IO HO SUONATO CON I MELVINS» così i nerd musicali che comprano i vinili dei 7” dei Sonic Youth e sono felici.”
“Ci sei vicino Stanlio. Riprova”.
“In alternativa, ci ricorda un milione di altre cose. Se ci metti gli alieni diventa Dead Space, se ci metti Batman diventa Arkham Asylum, se ci metti le spogliarelliste ninfomani diventa un paradiso.”
“Proprio Batman. Grazie Stanlio”.
È un vero peccato infatti che i ragazzi di Rocksteady avessero già fatto tutto nel 2009, creando quel bel videogioco che, appunto, va sotto il nome di Arkham Asylum (da cui forse la scelta, per evitare casini di assonanze, di commercializzare la pellicola anche con il nome di The Incident?). Un vero peccato perché ci avrebbe permesso di evitare l’ennesima premessa sfortunata e l’ennesimo pregiudizio  in fase di prima visura della pellicola.

To Grohl like a boss

Orbene, com’è o Blackout Asylum? È un bel film. Ma bello davvero. Ma così bello che ci metto il carico da mille e vi dico che questo è il migliore (e definitivo) affinamento della nuova scena horror transalpina. Partendo dalle solide basi “thriller, reality & gore” (rese ancora più efficaci da un comparto FX in stato di grazia a volte di pura matrice “torture porn”), Courtès lavora di lima e ci consegna un prodotto epurato, in buona parte, dal melodramma di cui le recenti opere francesi di genere erano invece zavorrate (so che per molti, invece, questo è il pregio delle sopracitate, ma de gustibus).

La definizione dei personaggi è quasi del tutto assente, i rapporti umani sono appena accennati e il dramma si consuma esclusivamente nella rappresentazione dell’incubo hobbesiano dello Homo Homini Lupus. Perché, alla facciaccia di Nolan (che ci ha intasato il cervello con i suoi baricchismi), il caos non è equo. Nell’ottica del caos può anche piovere per sempre (e così ci siamo tolti anche la seconda cazzata del millennio). In tutto questo, quindi, avere dei protagonisti “sui generis” permette al regista di procedere a una demarcazione chiara del confine tra sani e insani, evitando -per una volta grazieaiddio- i soliti giochini di ruolo su “chi è il matto adesso?” (che, o sei bravo, ma bravo bravo o lascia perdere).

Ma adesso è giunta l’ora che tutti voi aspettate

www.youtube.com/watch?v=aIu8JUz2N44

PIANGE IL TELEFONO
ovvero: come nei film horror, l’oggetto che ci ha cambiato il concetto di reperibilità diventi un inutile suppellettile, sbattendogliela in culo ad almeno 30 anni di consumismo.

In Asylum Blackout il telefono serve a spaccare il setto nasale di un protagonista. Pregianza.

www.youtube.com/watch?v=aIu8JUz2N44

Asylum Blackout ha anche lo straordinario merito di essere arricchito da una regia molto ispirata che, oltre a regalare un paio di inquadrature veramente degne di nota -dal gusto orientale-, riesce a non essere mai anonima, didascalica o  banale.

Certo, le note non sono tutte positive, e il film è viziato da alcuni -innegabili- problemi. A livello tecnico, il film finisce vittima del si sillogismo blackout = buio = fottesega del direttore della fotografia per un buon terzo del film. Spesso, all’interno del manicomio, le scene sono troppo buie e confuse, il che crea quella fastidiosa voglia di fast forward che un film del genere, davvero, non si meriterebbe. A livello narrtivo, ogni tanto tira una leggerissima aria protofascista e lombrosiana: il matto, in quanto “insano”, è brutto e sempre, sempre, sempre cattivo. Puoi voler bene al matto ma lui, nella migliore delle ipotesi, ti spella un braccio con un pelapatate (true story). Peccati veniali, frutto -probabilmente- dell’inesperienza e della necessità di condensare tutto in 79 minuti. E c’è pure il twist finale.

DVD-Quote Suggerita
La migliove fvancesata degli ultimi 15 anni.

Bongiorno Miike, i400calci.com

Non so dirvi esattamente quando, se tre o quattro anni fa, ma c’è stato un momento in cui uscivano solo dei film “insostenibili” oppure che “spingevano ancora più in là la soglia del visibile”. Roba come Martyrs, A Serbian Film, Frontier(s). Passato lo shock (oddio, signora mia, ma ha visto che shock?) del torture porn, il cinema horror ha tentato ancora una volta la via dell’esagerazione, dell’esasperazione di certi temi. Certo, A Serbian Film è un caso isolato con tutti i suoi pregi e tutti i suoi evidentissimi difetti, ma è un dato di fatto che dal 2007 in avanti il cinema di genere horror ha in parte scelto di ripartire dal sangue, dalla carne, dallo schifo. Uno dei capitoli più riusciti di questa “nuova” corrente è À L’intérieur di questi due soggettoni che rispondono al nome di Alexandre Bustillo e Julien Maury. Una donna incinta assediata in casa da una Béatrice Dalle pazza furiosa che non vede l’ora di estirpare il feto alla donna tramite arma da taglio. Niente di troppo complesso, dunque: una trama che sta su un tovagliolino di carta e un insistere sul sangue e sulla carne al limite del sopportabile. Quei film in cui, anche se sei un uomo tutto di un pezzo come me, che una volta ho visto tutta una puntata di Volo in Diretta senza MAI cambiare canale, ti viene da fare “uhmmmmmmmmmcazzofai????” e guardi da un’altra parte. Dopo la visione di À L’intérieur, i ragazzi erano entusiasti: grossi brinidisi al baretto e tutti pronti a dare credito ai due registi e sceneggiatori.

Ce ne stiamo in Francia per poter fare il cazzo che ci pare

A un certo punto s’è pure presentata l’occasione della vita per Alexandre Bustillo e Julien Maury. Anzi, non una ma ben due volte: la prima volta l’occasone della vita s’è presentata travestita da Hollywood che ti propone di fare Halloween II. La seconda volta s’è presentata sotto forma di Hollywood che ti propone di fare il remake di Hellraiser. E loro? Eh, niente. Niente, nel senso che han detto di no, che loro preferivano farsi i cazzi loro e continuare a fare i loro film in libertà piuttosto che fare i film in US con i soldoni ma con un probabilissimo PG13 da rispettare. E quindi? Eh, niente, e quindi rispetto per voi, regaz. Bravi. Sembra poco, ma non è poco. Per cui Bustillo e Maury sono rimasti in Francia e hano fatto Livide. Vi racconto la storia. C’è una ragazza affetta da eterocromia. Scusi, prof? Scusi? Ma cosa vuole dire “eterocromia”? Madonna mia, Perletti, ma non sai nulla di nulla! Hai presente David Bowie? Sai che c’ha un occhio diverso dall’altro, no? Ah, non te n’eri mai accorto… Mamma mia come ti disprezzo, Perletti. Sì, David Bowie ha un occhio diverso dall’altro. Quello vuol dire essere affetto da eterocromia.

Come si chiamava quel film? Dai...

C’è questa ragazza eterocromica (si dirà così?) che comincia il suo nuovo lavoro. Fa l’assistente infermiera a domicilio. Ovvero accompagna un orribile ciccione a casa di alcuni vecchi e fa l’infermiera. Fa le punture, parla con i vecchi… Quelle robe lì. Tra le varie case in cui la nostra eterocromica si deve intrufolare, c’è anche quella della vecchia Signora Jessel. Una cosa inquietantissima! Una megavecchia che sta nella sua vecchia ed enorme magione, piena di roba impagliata. La vecchia Signora Jessel è pure in coma, ma è tenuta in vita dai tubi che le finiscono in bocca modello maschera antigas. Ma non solo, miei cari amici avidi di emozioni forti, forti! La Signora Jessel è stata una famosissima quanto severa istruttrice di danza classica e, proprio tra quelle mura, ha insegnato a piroettare a centinaia di bambine. Ma non è certo finita qui, miei perfidi amichetti. Tutti in città sanno che la Signora Jessel ha nascosto un tesorone in casa, ma nessuno sa dove sia. La giovane ragazza etercomica, dopo il primo giorno di lavoro, se ne torna tra le sue mura domestiche e: 1)  litiga con il padre 2) vede il fantasma della madre morta (la Dalle) suicida in bagno 3) va al pub e racconta tutt’eccose al fidanzatino, il quale suggerisce la mossa delle mosse: “Bè, secondo me vale la pena di tirare in mezzo il mio migliore amico e, noi tre, si potrebbe andare a casa della vecchia a tentare di trovare il tesoro! Se lo troviamo siamo ricchi e ce ne andiamo da questa brutta città che a me mi fa schifo stare qui!”. 4) Si mette nei cazzi…

No, per dire...

E qui parte il film. Ovviamente dopo quattro secondi quattro che i tre giovani ragazzi sono da soli, di notte, in una vecchia villa piena di roba impagliata, dove c’è una vecchia orribile con i tubi nella fazza, e le stanze vuote, e la luce che salta, succede il macello e comincia a scorrere sangue e accadono cose brutte. Diffcile raccontare cosa accade, per ben due motivi: da una parte ovviamente si toglie un po’ di piacere allo spettatore. Dall’altra, aspetto molto importante della questione, succedono cose a vanvera. Da un certo punto in avanti, Livide si lascia piacevolmente andare e sembra essere molto più interessato alla creazione dell’atmosfera che a procedere con una narrazione canonica. Un grosso Maccosa via l’altro, di quelli che non si spiegano neanche per isbaglio, ma che hanno il pregio di essere funzionali; che in un film dell’orrore vuol dire che fanno paura. Per cui, a noi piace. In parte, nel suo essere praticamente solo superficie, Livide ricorda un altro film francese diretto da una coppia: Amer. nel suo omaggiare direttamente Suspiria e creare quell’arietta un po’ così, di un cinema che non c’è più fatto di elementi semplici ma ben utilizzati. Anche se – deo gratias – il ritmo non è quello catatonico del film di Hélène Cattet e Bruno Forzani. Livide è un film imperfetto, sbagliato e inferiore a À L’intérieur, ma vi garantisce un’ora e quaranta di film horror. Che di questi tempi, signora mia, non è poco. Forse non tutti sanno che l’attrice che interpreta nei flashback, la signora Jessel pre tubi nella fazza (è un po’ Alida-Valli-style) è Marie-Claude Pietragalla, famosa ballerina e coreografa francese.

DVD Quote:

“La fiera del Maccosa. Ma non sempre è un male.”
Casanova Wong Kar-wai, i400calci.com

>> IMDb | Trailer

www.youtube.com/watch?v=Jg5iEiaYZf0

>> IMDb

www.youtube.com/watch?v=SfzwSfDXnAE

Sup bro?

Sarò sincero: è una sensazione nuova. Vi è mai capito di finire un film e pensare “questo ha sbagliato genere”? A me no, o almeno non in questo modo. La sensazione è che tra tutti i generi possibili Eric England, regista e sceneggiatore esordiente, abbia scelto proprio quello meno in grado di gestire. Il punto è che il suo essere in grado di girare un film è evidente, ha un grande senso dell’inquadratura e del montaggio, ha diretto degli attori con poca esperienza alle spalle senza mai farli andare sopra le righe ricavandone delle interpretazioni assolutamente convincenti e nonostante il limitato budget di 75.000 dollari ha attenuto un risultato dall’aspetto professionale che non ha nulla a che vedere con certe produzioni indipendenti identificabili come tali dalla prima inquadratura. Aggiungeteci una fotografia un po’ desaturata per dare un sensazione leggermente vintage e un’evidente cura dell’audio ed il pacchetto è pronto. Saper girare film però non vuol dire saper girare dei bei film ed aver girato un film esteticamente convincente non vuol dire aver girato un film narrativamente convincente: England non ha infatti alcuna idea di come si scriva uno slasher e di come i suoi tempi vadano gestiti.
Orologio alla mano ci voglio 45 minuti prima che l’assassino si palesi ed uccida qualcuno. 45 minuti. Trovo moralmente inaccettabile che in uno slasher venduto come tale non muoia nessuno per 45 minuti, ma ne si può comprendere il senso: a detta dello stesso regista (che ha un blog dove si lamenta di quelli che gli dicono che ha fatto un film banale e scontato e da dove si evince che oltre al senso narrativo gli manca pur del senso in generale o non si spiegherebbero le foto di cani sotto la didascalia “sono tutto orecchi”) l’intento era quello di raccontare la storia lentamente, dando ai personaggi il tempo di presentarsi e di sviluppare i propri archi narrativi come si faceva una volta, ispirandosi anche al lavoro di Ti West in The House of the Devil (ma Ti West, a differenza sua, non ha mai definito i suoi film come “di genere”). L’intento è apprezzabile e condivisibile, nulla da dire, ma se si vuole raccontare una storia slasher mettendo i personaggi in primo piano bisogna stare attenti a non dimenticarsi del dettaglio “slasher” o tutta l’intenzione è vanificata. Bisogna saper unire le parti e bilanciarle dando sì più spazio ad una ma senza dare l’impressione di toglierne all’altra. England sbaglia esattamente in questo e, non riuscendo a gestire omogeneamente i due lati della storia, ha optato per la soluzione apparentemente più facile dividendo il film in due parti: la noiosa prima parte di 45 minuti dedicata alla presentazione dei personaggi e l’affrettata e mal raccontata seconda parte dedicata al killer con la testa da porco dove tutto finisce senza essere spiegato e senza che a questi personaggi cui il regista ha prestato tanta attenzione nel presentarci sia data una degna conclusione (personaggi scritti abbastanza bene, sì, ma scritti abbastanza bene e basta, in generale, senza essere funzionali al contesto, e pensandoci bene è quasi ovvio: è impossibile costruire una storia intorno a dei personaggi se poi questa, essendo di matrice cinematografica precisa, è incastrata in sviluppi obbligati dal genere e dall’idea di genere che il regista si è fatto. Molto più semplicemente: si possono costruire personaggi intorno ad una storia già decisa ma non viceversa).
Esame di Coerenza 101: bocciato.

Ed alla fine il personaggio più interessante è sempre la vecchia.

Dal punto di vista prettamente slasher è molto deludente: i morti sono quattro ma solo quello con mazza da baseball spezzata e incastrata in gola è degno di nota, ma non così tanto. I dettagli grafici sono minimi, con solo qualche breve flash sulle armi che colpiscono i corpi senza mai mostrare le ferite effettive, ma immagino che in questo caso c’entrino più i problemi di budget che di capacità narrativa del regista. C’è un momento, molto breve, dove l’assassino lancia un’ascia contro una tizia in mezzo al bosco, colpendola alla schiena: è molto veloce ma girata da dio, con precisione e tempi perfetti, ed è la conferma che England con la regia ci sa proprio fare, anche con quella action, e che dovrebbe smetterla di fare l’intellettualoide come piace a West e lasciarsi andare, scrivendo una storia sua senza troppe limitazioni o, meglio, girando la storia di qualcun altro. Le velleità autoriali sono belle ma fottono il cervello (se si è convinti di scrivere bene e si è abbastanza orgogliosi non ci sarà mai verso di capire il contrario e, leggendo il suo blog, il suo mi sembra un perfetto esempio)* e benché scriversi una sceneggiatura e girarsela sia molto soddisfacente non è facile e non tutti se lo possono permettere, ed è bene ricordarsi che per essere dei grandi registi non è necessario essere dei grandi sceneggiatori. David Fincher non si è mai scritto un film e David Fincher è uno dei più grandi registi viventi. Giusto per spararne uno.

DVD-Quote suggerita:

“Clinicamente, un grave caso di sdoppiamento filmico della personalità. Praticamente, un film del cazzo.”
Jean-Calude Van Gogh, i400calci.com

>> IMDb | Trailer

* I registi con i blog sono il male. I registi che parlano di se stessi sui blog sono ancora più male. La difesa a spada tratta delle proprie produzioni può essere condivisibile fino ad un certo punto, dopo quello è solo un gran spompinarsi da soli. Non c’è bisogno che vi venga a dire io che il giudizio dell’artista sulla propria arte non ha alcuna cazzo di rilevanza, figuriamoci l’autodifesa basata sull’assunto che il proprio prodotto sia una figata.

Madison County (Alta qualità – Compra)

La Troma! Vi dico la verità: sono decorosamente preparato sui loro classici anni ’80, da Toxic Avenger a Killer Condom, e sono arrivato fino allo splendido Tromeo & Juliet, poi ho lasciato perdere. La Troma è un’istituzione, c’è poco da fare. Sono in attività da 40 anni, e il loro film più commerciale contiene un primo piano su un’auto che sfascia il cranio di un 12enne. Questo se per caso non avevate presente il genere. Però, come Corman e forse anche peggio di Corman, non sono esattamente sinonimo di qualità: da una parte c’è la loro produzione diretta interna, i film ambientati a Tromaville per intenderci, caratterizzati da sane dosi di ultraviolenza e uno spirito anarchico e goliardico non per forza per tutti i gusti ma spesso disarmante; dall’altra ci sono i film che comprano in giro, spesso a costo zero, per poi rimontarli, a volte ridoppiarli, e rimpacchettarli con un titolo più “tromatico” (tipo Surf Nazis Must Die) per venderli a chiunque ci casca. In quest’ultimo caso spuntano occasionali chicche (Cannibal The Musical degli allora esordienti Matt Stone e Trey Parker), ma si tratta per lo più di ciofeche pazzesche (tipo Surf Nazis Must Die).
Venerdì scorso qua a Londra si è tenuta una piccola maratona Troma presenziata dal Lloyd Kaufman in persona, co-fondatore insieme a Michael Herz e uomo-immagine ufficiale. Lloyd è un simpatico vecchiettino che pare il fratello minore di Mel Brooks, farfallino, battuta pronta ed espressività da cartone animato. Durante l’intervista, in mezzo all’ovvio populismo sul cinema indipendente e sul come “se ce l’ho fatta io ce la può fare chiunque”, sono spuntati anche aneddoti interessanti. Innanzitutto l’idea geniale di andare in controtendenza e girare un remake di Class of Nuke’em High per meno soldi di quanto era costato l’originale. Poi il fatto che, nonostante una carriera basata su film che hanno sfidato qualsiasi tabù, anche Lloyd abbia i suoi limiti e tiri una linea prima del classico del sadismo Bloodsucking Freaks, il primo film che la Troma acquistò nel ’76 ma che oggi – nonostante un ottimo successo di culto – Lloyd non comprerebbe. E infine il modo con cui battezza l’odierna moda di scimmiottare i film di serie B con mezzi e budget platealmente superiori: “finché lo fa gente di talento, come Tarantino o Rodriguez, sono tranquillo che per quanto possa sembrare un controsenso ne esca come minimo qualcosa di interessante”.

Da sinistra a destra: non me lo ricordo, Toxie, Lloyd Kaufman, una Tromette, la moglie di Lloyd

Ma a noi (cioè a voi) interessa il programma della maratona. Nello specifico, vi interessa sapere che, piazzato a tradimento a sandwich fra due classici immortali quali Class of Nuke’em High e Toxic Avenger, c’era un nuovo film targato Troma, intitolato Father’s Day.
La storia di questo Father’s Day è semplice e non nuova di questi tempi: un collettivo di filmmakers battezzatosi “Astron-6” (Miglior Nome di Collettivo EVER, Wu-Ming Puppa La Fava) gira un trailer finto. Si tratta della solita puttanata vintage trash con finta pellicola graffiata ecc… guardate, non ve lo faccio neanche vedere. Davvero, non cercatelo, vi rovina il gusto. Comunque: Lloyd Kaufman lo vede e, in un impeto di insolita generosità, offre agli Astron-6 $10.000 (diecimila dollari) per farci un film intero. I ragazzi prontamente accettano. A me onestamente il risultato interessava talmente tanto che non solo non sarei mai andato alla maratona se fosse stato solo per lui, ma sarei entrato dopo, o me ne sarei andato prima, se non fosse che per l’appunto l’avevano furbamente incastrato in mezzo. Per cui tant’è.
Father’s Day parte relativamente piano. C’è un serial killer in città, e il suo nome è Chris Fuchman. La sua metodologia è semplice: lui attacca padri, li stupra e li ammazza. Lo so che suona un po’ generico come target, ma è così. Tutto ciò ci viene immediatamente mostrato con la tipica timidezza della Troma (spoiler: è sarcasmo). La sua ultima vittima è il padre di Twink, un giovane marchettaro sbandato, che viene prontamente interrogato dalla polizia. Twink viene poi avvicinato da Padre John, un giovane prete anch’egli interessato a trovare il serial killer, e fin qua pare un normale thriller, discretamente grezzo ma serio e parecchio violento. Ma quando Padre John attraversa il mondo per andare a reclutare Ahab, un vigilante solitario con un conto in sospeso con Fuchman, iniziano gli improvvisi lampi di humour demenziale, prima magistralmente dosati per cogliere in controtempo, poi sempre più insistiti.
Vi ricordate quando eravamo contenti che Hobo With A Shotgun fosse una grezzata onesta chiaramente ispirata dalla Troma? Father’s Day lo fa sembrare uno scherzo per ragazzini. Violenza? Abbondante. Non cartoonizzata come nei film di Toxie, ma pesante, e felice di sfidare svariati tabù. Quanto pesante? A un certo punto un tizio in sala non ce l’ha fatta e ha urlato “Awww for Christ’s sake!!!”. E vi parlo di un tizio in terza fila a una maratona Troma, mica di un ignaro sensibile intellettuale infilatosi a vedere il film sbagliato in programma a Cannes. Che a pensarci non mi era mai capitato nulla del genere, e dire che in sala ci ho visto i vari Martyrs, Human Centipede e compagnia. Ci sono nudi, sia femminili di spogliarelliste che maschili di padri inchiappettati senza pietà dall’orribile Fuchman. Ma soprattutto c’è un crescente delirio totale che porta la trama nei posti più assurdi, frullando influenze che vanno da Bunuel a Bill & Ted, passando per Dario Argento, South Park, Carpenter e la sci-fi televisiva povera dei primi anni ’80 e troppe altre cose per nominarle tutte. Il tutto mai come citazionismo fine a se stesso ma a servizio di una visione personale , in un tripudio di effetti speciali rigorosamente fisici, sequenze in stop motion incluse. E, grazie a un cast affiatatissimo i cui ruoli principali sono ricoperti da membri degli Astron-6, il qui presente si è ritrovato più di una volta a piangere dal ridere.
Father’s Day prende la tradizione della Troma e la porta agli estremi e oltre con tecnica spesso acerba, ma senza la minima traccia di pigrizia e soprattutto con vera ispirazione.
Non fosse che hanno un nome che mi ricorderei comunque tutta la vita anche se il film mi avesse fatto schifo, io mi segnerei gli Astron-6.
Chi l’avrebbe detto.
L’unico dubbio? Non ci credo che una lavorone del genere sia costato appena $10.000.

Ovvio che Lloyd fa una comparsata

DVD-quote:

“Un agguerrito concorrente al miglior Troma di sempre”
Nanni Cobretti, i400calci.com

>> IMDb | Trailer

www.youtube.com/watch?v=D3ZNtOcY_1A

Artista: Soundgarden
Titolo: Live to Rise
Dal film: The Avengers

Dell’importanza dei gattini per il destino dell’universo e per l’Internet in particolare, anche.

Di quanto la claymation sia una cosa che renderebbe migliori persino le avventure di un pinguino teneroso non c’è bisogno di parlare.

Quindi la faccio breve: dopo La Cosa, Lee Hardcastle l’ha fatto di nuovo.

Così:

www.youtube.com/watch?v=y_z3EBalwI4

Benvenuti alla fine dell’Internet, amici lettori.

E buon fine settimana a tutti.