The One: film fatti col computer! Paiura!

Partiamo da The One, pellicola del 2001 a firma James Wong. Il film ha uno spunto narativo piuttosto affascinante, simile a quello che regola il mondo dei comics Marvel. Sapete no, che noi viviamo in un Multiverso, vero? Per dirla in parole povere: ci sono tantissime realtà parallele, tantissime variazioni della realtà in cui noi viviamo. Vi faccio un esempio concreto: in questa nostra realtà (che è solo una delle tante, nello specifico una delle 125 esistenti) Silvio Berlusconi è il Presidente del Consiglio. In un’altra è rimasto un cantante sulle navi da crociera. In un’altra ancora, è da poco diventato Presidente della Galassia Unita. C’è anche quella però in cui il trapianto di capelli gli è venuto male e adesso indossa una parrucca tipo quella di Sandy Marton e tutti lo prendono in giro. Insomma, ci siamo capiti. Nel futuro immaginato da James Wong, esiste un modo per viaggiare da una realtà all’altra. Questo però crea dei probabili rischi all’equilibrio universale, per cui esiste una Polizia Intradimensioniale, dei poliziotti che controllano che tutto proceda per il verso giusto, senza casini o sovrapposizioni di realtà. In questo casino esiste un pazzo criminale che ha una bellissima idea: viaggiare di realtà in realtà per uccidere tutti i suoi corrispettivi fino a diventare l’unico, il solo, The One. Scatta dunque una incasinatissima caccia all’uomo tra il pazzo criminale (Jet Li) e un poliziotto intradimensionale dai metodi poco ortodossi (Jason Statham). Questa, in poche ma incasinate parole, la trama di The One. Ma vediamo come se la sono cavata i nostri due attori in questo primo confronto.

Jet Li non ride mai. Ma mai mai.

Siamo come abbiamo detto nel 2001. Jet Li, leggenda del cinema di Hong Kong, è da poco sbarcato in America. Ha esordito con il ruolo del cattivo in Arma Letale 4, gli è stato cucito addosso un film imbarazzante come Romeo Must Die (dove, lo ricordo per chi non l’avesse visto, a un certo punto si mette il cappellino all’indietro e gli fanno fare il rapper. Cristo, perché?) e ha già incontrato sulla sua strada quel cazzaro di Luc Besson che l’ha voluto per Kiss of the Dragon. Insomma, Jet Li è arrivato a Hollywood come un mito, preceduto da una fama incredibile, ma non ha ancora trovato un ruolo in grado di esaltarne le incredibili capacità. Un po’ la stessa sorte che è toccata ai registi della colonia inglese, il cui nome viene sbandierato sulle locandine dei film che firmano in America come sinonimo di rinnovo dell’action, ma che poi nei fatti sembrano dei loro imitatori pochi ispirati. John Woo, Ringo Lam, Tsui Hark sono gli spettri di quello che erano. Jet Li, insieme a loro, non sta facendo una gran figura. C’è da dire che non è nemmeno colpa sua e che sono passati ormai anni da quando faceva quelle cose che ogni volta che le vediamo piangiamo fortissimo, ma la crisi è innegabile. Segue un video in cui Jet Li fa una di quelle cose che quando la vediamo noi piangiamo fortissimo.

James Wong, che a noi sta simpatico e che l’anno prima di questo film aveva girato Final Destination, si trova a dover dirigere Jet Li. Non sapendo bene che fare, non avendo a disposizione nessun coreografo coi controcazzi (anche se pare ci sia lo zampino di Corey Yuen), fa quello che gli viene meglio: la butta in caciara. C’è un che di dissacrante nell’utilizzo che il regista fa dell’attore. Mentre l’ancora misconosciuto Jason Statham viene introdotto in scena senza nessuno stratagemma o suspence, il volto di Li viene svelato dopo una lunga preparazione. il nome sulla loocandina d’altra parte è il suo. Una volta scoperto che il cattivone è lui (con un doppio effetto sorpresa), lo si cogliona mostrandolo in una lunga serie di travestimenti, ovvero sempre lui ma nelle altre 120 e passa realtà parallele: Jet Li biondo, coi capelli lunghi, macho, gay, ecc… Se promettete che non mi aspettate sotto casa per randellarmi, direi che James Wong diventa warholiano e sfrutta l’elemento pop della figura di Jet Li riproducendolo all’infinito, in una lunga serie di varianti. Questo meccanismo rende posibile anche un vero e proprio cazzabubolo fino ad allora impensabile: il combattimento Jet Li vs Jet Li. È qui risiede l’altro elemento forte del film. Della leggerezza di Hong Kong qui non si sa che farsene e quella fiscità così affascinante viene sostituita da un’ostentazione di cavi e da un utilizzo del digitale quasi dilettantesco. Le botte di The One sono più simili a quelle dei cartoni animati piuttosto che a quelle sequenze che anche mia madre poi diceva “hai visto? tipo Matrix!”. Jet Li diventa di plastica, regolato da leggi simili a quelle a cui sottostà Willy il Coyote e, come si diceva precedentemente, replicabile. Dall’altra parte viene presentato un Jason Statham acerbo (anche lui è praticamente appena arrivata in America, dopo gli esordi british con Guy Ritchie), con decisamente troppi capelli, non ancora pronto al corpo a corpo. È innegabile però che il nostro è dotato di quella cartolaccia innata che ce lo rende oggi così irresistibile. Di fianco a Li (che giustamente non cambia mai espressione… ma non è mai stato un problema) svetta per versatilità e bravura, anche se si limita a fare lo sguardo truce e bofonchiare un paio di battute ad effetto. Insieme i due fanno poco, manco un vero e proprio scontro, ma si capisce che se la intendono. Amici. In cinque minuti.

DVD-quote suggerita:

“Il periodo warholiano di James Wong”
Casanova Wong Kar Wai, i400calci.com

>> IMDb | Trailer

Per la serie: locandine deligate.

Tant’è che i due ci riprovano sei anni dopo con War (in italiano Rogue: il Solitario) e le cose vano un po’ meglio. Non tanto a livello di storia (War è un pasticciaccio piuttosto confuso, fatto di continui doppi, tripli, quadrupli giochi carpiati con velleità shakespeariane che alla fine, anche se si capisce tutto, manca proprio l’interesse. Pare anche che sia stato tagliato perché molto violento e forse questo non aiuta. Ma anche sticazzi), ma di recitazione. E soprattutto di interazione tra i due. Il film si apre sulla cartola del poliziotto Statham che, nei cinque minuti iniziali, dimostra di aver capito come tenere a bada i suoi capelli, guadagna una battuta che capisci immediatamente che verrà ripronunciata in qualche altra parte del film con tanto di gomitino gomitino, uccide gente e vanvera con un fucile a pallettoni. Ed è inutile che vi stia a dire che il fucile a pallettoni è in dotazione solo ad attori con uno spessore che giustifichi il calibro e la pesantezza dell’arma. Se in The One era fondamentalmente un Signor Nessuno, qui è immediatamente protagonista. La sua figura di omo de action duro e sporco è già stata consolidata da due episodi della saga di Transporter e dalla sua parte in The Italian Job. Ah, e da quel filmetto che è Crank. Jason è anche sulla (deligatissima) locandina e in questo film il possesso di palla è Jason 60%, Jet 40%. A voler essere generosi.

Cartola. Tanta.

Ma è ancora una volta il trattamento che viene fatto di Jet Li ad essere maggiormente interessante. Il suo volto viene svelato dopo un quarto d’ora se non di più di film, ma soprattutto viene più volte detto che il suo aspetto è frutto di ripetuti inteventi di chirurgia plastica. Questo, permettete la cattiveria, viene probabilmente detto per giustificare la fissità di Li. Qui quantomai evidente, visto che non viene mai sfruttato il suo vero potenziale. In War, Jet Li passa più tempo con una pistola in mano che a menar le mani. E non mi sembra una buona idea. L’idea è quella di crear una sorta di competizione a distanza tra i due. I metodi sbrigativi e de panza di Statham, contrapposti a quelli freddi e calcolatori di Li. Vederli in azione prima separatamente, fare una piccola preview del loro duello finale, per poi far deflagrare il tutto negli ultimi minuti. Qui finalmente si arriva alle mani. Jet Li è libero di tirare un paio di pizze e sfruttare un set (a dire il vero non particolarmente interessante). Jason può far vedere che anche lui due calci li sa piazzare. Il loro corpo a corpo, è troppo breve, è giustificato narrativamente accazzo di cane, ma non è niente male. Anzi, direi che è proprio il fulcro del film. Anche perché il resto c’è Jet Li che fa a spadate con un ciccione, Devon Aoki che veramente non sa fare un cazzo e Jason che fa le faccette insieme a Luis Guzmán. Parte del merito, se di merito vogliamo parlare, è di quello che ha trasformato Liam Neeson in una action star, ovvero il regista di Taken, a.k.a quello zarro di Pierre Morel. Qui è direttore della fotografia, ma fa sicuramente di più di Philip G. Atwell, ovvero colui che è accreditato come regista.

DVD-quote suggerita:

“Jet Li con le pistole in mano. Ma almeno Jason non ha i capelli.”
Casanova Wong Kar Wai, i400calci.com

>> IMDb | Trailer

Se ne i Mercenari non fai quelle robe lì che ci fanno piangere, mi faccio ricrescere i capelli.

]]> http://www.i400calci.com/2010/08/i-mercenari-jet-li-e-jason-statham-in-the-one-e-war/feed/ 14 http://www.i400calci.com/2010/03/due-motivi-per-vedere-la-nuova-francesata-di-luc-besson/ http://www.i400calci.com/2010/03/due-motivi-per-vedere-la-nuova-francesata-di-luc-besson/#comments Tue, 23 Mar 2010 13:00:38 +0000 Nanni Cobretti http://www.i400calci.com/?p=5945 Che, per la cronaca, si chiama “The Extraordinary Adventures of Adèle Blanc-Sec“.
Eccoli:

1) Dinosauri!

Cucù!

2) TETTE!

Non sono laser, ma ci sono

L’avreste mai detto? Qualcuno di noi (io) è ancora qua che si gratta la testa per l’invadente quantità di tartarughe gratuite nei film “per maschi”, ed ecco che dal nulla ti arriva Luc Besson – il ripudiato, sbeffeggiato Luc Besson – che in clamorosa controtendenza e con il più puro spirito europeo ti infila dritto dritto delle tette nude in un film per bambini. Nel TRAILER. È un lampo al minuto 2:01, ma c’è, ed è stato messo di proposito e senza alcun motivo plausibile. Guardare per credere:

Dopodiche, anche se IMDb mi dà torto, per me Luc Besson non ha più fatto nulla dai tempi di Il quinto elemento, e quindi onestamente sono curioso. Anche se è tratto da un fumetto che (strano) non conosco e sembra semplicemente un Tomb Raider ambientato all’epoca dei film di James Ivory. Voi che dite?

Bonus:

3) Donnuomini!

Che nomi buffi che dicono!

Il vostro Nanni Cobretti saluta la folla in attesa di consegnare uno dei prestigiosi premi Sylvester

Amici! Sono emozionato! Innanzitutto oggi I 400 Calci compie un anno, ma ne dimostra a) di più, oppure b) di meno (votate!). Per cui tanti auguri a noi, e tanti grazie a voi che se non ci leggevate probabilmente ci fiaccavamo prima.
Secondo di tutto: abbiamo gli attesissimi vincitori dei prestigiosi Premi Sylvester 2010! Non sapete quante telefonate mi sono arrivate che mi dicevano “me ne dai uno? ti prego, ne voglio uno anch’io! posso? tipregotipregotiprego!”. E invece no! Ho fatto decidere a voi del pubblico. E voi del pubblico avete parlato (= cliccato sugli appositi bottoni per votare). Avete votato davvero in tantissimi, e la cosa ci riempie di orgoglio -- personalmente sono addirittura commosso.
Comunque: la cerimonia si è tenuta a mezzanotte (ora italiana) in un luogo segreto così non ci venivate, e a parte qualche piccolo incidente (ne parlerò più avanti) è stata un successone. Davvero, dovevate esserci. Ma non potevate. Per garantire uno spettacolo memorabile abbiamo preso spunto dalla Notte degli Oscar: in particolare per risolvere il problema dei discorsi di ringraziamento troppo lunghi, invece che far partire la musica abbiamo assunto direttamente Marko Zaror a tirare uno schiaffone a chi si dilungava troppo. Quello era da intendersi come il segnale per smettere.
Prima però di passare all’elenco vincitori, abbiamo per voi un video-messaggio in esclusiva da Jean-Claude Van Damme, uno dei pochi assenti alla cerimonia (mancava anche il toro-drago alieno incazzoso di Outlander), che ha voluto comunque commentare la sua mancata vittoria nella categoria Miglior Attore. Eccolo:

Non ha tutti i torti, ma ormai è andata.
E ora passiamo al dunque: via con l’elenco dei vincitori!

MIGLIOR FILM ACTION: Crank 2: High Voltage

MIGLIOR FILM HORROR: Drag Me To Hell

MIGLIOR REGISTA ACTION: Neveldine & Taylor (Crank 2)

MIGLIOR REGISTA HORROR: Sam Raimi (Drag Me To Hell)

Alison Lohman e Mark Neveldine con i Sylvester per i rispettivi film. Sapevate che sono sposati? Che famiglia talentuosa e fortunata!

MIGLIOR ATTORE: Christoph Waltz (Bastardi senza gloria)

MIGLIOR ATTRICE: Marisa Tomei (The Wrestler)

MIGLIOR MANZO: Jason Statham (Crank 2)

Jason Statham ha rifiutato il Sylvester e ha preteso di portarsi a casa un premio alternativo di sua scelta.

MIGLIOR GNOCCA: Melanie Laurent (Bastardi senza gloria)

MIGLIOR ATLETA: Tony Jaa (Ong Bak 2).
Qua è nato uno dei problemi. Tony Jaa nei ringraziamenti ha cominciato a citare tutti gli abitanti del suo villaggio natale elefanti compresi, e quando Marko Zaror è arrivato come da regolamento a dargli uno schiaffone per farlo smettere, ne è nata una rissa. È stato uno spettacolo incredibile, acrobazie mai viste, cose da ufo. Peccato che non c’eravate perché non potevate e che avevamo pure sequestrato tutte le videocamere e i telefonini ai presenti.

MIGLIOR ANIMALE: il caprone (Drag Me To Hell).
Il suo è stato decisamente il discorso più toccante.

MIGLIOR MOSTRO: gli alieni gamberoni (District 9)

MIGLIOR NANO: Verne Troyer (Parnassus)

Quel simpatico di Verne Troyer prova a indossare gli occhiali di Nanni Cobretti. Che buffo siparietto!

MIGLIOR COMPARSATA: Bill Murray (Zombieland)

MIGLIORI EFFETTI SPECIALI: District 9

MIGLIOR SCENA CATASTROFICA: il crollo del Vaticano (2012)

MIGLIOR OMICIDIO: Hugo Stiglitz mette il pugno in bocca a uno (Bastardi senza gloria)

MIGLIOR COMBATTIMENTO: Randy “The Ram” vs. Necro Butcher (The Wrestler)

Mickey Rourke sfoggia soddisfatto il suo Sylvester

MIGLIOR SCENA WTF: Megashark morde un aereo di linea in volo (Megashark vs. Giant Octopus)

PREMIO BESSON D’ORO (al peggior action non prodotto da Luc Besson): G.I. Joe

PREMIO NISPELODEON (al peggior horror non diretto da Marcus Nispel): S.Darko

PREMIO CAGNACCIO: John Cena (12 Rounds).
John purtroppo quando l’ha saputo l’ha presa male.

"Non è giusto! Non sono un cagnaccio! Mi sono impegnato tantissimo!"

PREMIO CAGNACCIA: Megan Fox (Transformers 2)

PREMIO NIC CAGE (alla peggior pettinatura Nic Cage escluso): almeno mezzo cast di New Moon in blocco

MIGLIOR BATTUTA: «Non sono io rinchiuso qui dentro con voi. Siete voi rinchiusi qui dentro con me.» (Watchmen)

I trionfatori del Premio Nic Cage! Da destra a sinistra: Robby Patty, Kristy Stewy, e uno degli indiani seminudi

Non c’è che dire. Molte vittorie sono state schiaccianti -- su tutte quella del Premio Nic Cage -- ma ci sono stati anche scontri all’ultimissimo voto, come quello per il Miglior Combattimento (Randy vs. Necro hanno battuto per un pelo Alison Lohman vs. la vecchia zingara) e quello per la Miglior Scena Catastrofica (il crollo del Vaticano ha sconfitto di poco l’esplosione del cinema di Bastardi senza gloria).
Guardate il dettaglio voti con numeri e percentuali.

Consegnati questi ci siamo accorti che eravamo in anticipo con l’orario, per cui abbiamo detto: “Vi va una pasta aglio e olio? No? Un briscolino? Oppure non so, possiamo consegnare altri premi… Consegnamo altri premi? Ok.” e abbiamo consegnato altri premi.
Eccoli qua:

MIGLIOR ATTORE NON PROTAGONISTA: Dylan Baker (Trick ‘r Treat)

MIGLIOR ATTRICE NON PROTAGONISTA: Mary Woronov (House of the Devil)

MIGLIOR VECCHIA: Danna Hansen (Crank 2)

MIGLIOR BAMBINO ORRIBILE: Atticus Shaffer (Il mai nato)

MIGLIOR OGGETTO INANIMATO: le maschere (The Strangers)

PREMIO “BRAVO!” (all’espressività in un ruolo inutile): Ryan McDonald (2012)

PREMIO “BRAVA!” (all’espressività in un ruolo inutile): Tanedra Howard (Saw VI)

Ryan McDonald / Tanedra Howard: bravi!

PREMIO “MACCOSA!” (alla svolta di sceneggiatura più inverosimile): «Il Primo Ministro italiano è rimasto in patria a pregare» (2012).

PREMIO JOHN TURTURRO (alla perdita di dignità in un film commerciale): Woody Harrelson (2012)

MIGLIOR CANZONE: Metallica -- For Whom The Bell Tolls (Zombieland)

PREMIO ECCEZIONE MERITEVOLE (al miglior film nè action nè horror): Moon

Il leggendario James Hong

PREMIO ALLA CARRIERA: James Hong.
Motivazione: origini cinesi ma nato nel Minnesota nel 1929, James Hong è un volto talmente ricorrente nel cinema americano di genere e non solo (circa 350 film in carriera), da potersi definire non solo senza dubbio un’icona, ma forse sinonimo stesso della Cina sul grande schermo. Dagli anni ‘50 ad oggi difficilmente un film che abbia avuto bisogno di un personaggio cinese non ha utilizzato lui, che fosse un ruolo comico, drammatico o avventuroso. I suoi ruoli più famosi sono sicuramente il Dr. Chew in Blade Runner e Lo Pan in Grosso guaio a Chinatown, ma ci piace ricordarlo anche in L’aereo più pazzo del mondo, Rombo di tuono, Tango & Cash e Fusi di testa 2. Di recente ha doppiato Mr. Ping nella versione originale di Kung Fu Panda. Il pubblico ha concesso una standing ovation di due ore e venti (durante le quali ne ho approfittato per andare in bagno).

MIGLIOR POSTER: Crank: High Voltage (teaser version)

Miglior Poster: Crank 2

MIGLIOR DOPPIATORE: Francesco Pannofino (Pelham 1 2 3)

MIGLIOR SPOT: Jason Statham through the ages (Audi Superbowl)

PREMIO OCCHIALI ROTTI: Steven Soderbergh (The Girlfriend Experience).
Questo premio non è un vero e proprio Sylvester, in pratica a fine serata abbiamo telefonato a Steven Soderbergh e gli abbiamo tirato uno scherzo, gli abbiamo detto di venire di corsa che aveva vinto un premio, lui è arrivato tutto emozionato e come è salito sul palco BAM! Marko Zaror gli ha rotto gli occhiali con un cartone in faccia. Ci siamo messi tutti a ridere come matti e Steven Soderbergh ha pianto.

E per questa edizione è tutto. È stata dura ma ci siamo arrivati in fondo. Lascio a voi tutte le osservazioni del caso nei commenti, e arrivederci ai Sylvester 2011!

(Trivia: Stanley Kubrick non ha mai vinto un Sylvester)

La Città del Vaticano espone orgogliosa il Sylvester vinto come Miglior Scena Catastrofica.

Quando inizia il 2010?

Quasi tutto come nel 1999: il nuovo decennio non è ancora cominciato che già arriva qualcuno a dire “eh ma in realtà il VERO nuovo decennio inizierà nel 2011″. Grazie mille, care Margherite Hack delle mie palle. Spero che vi siate divertite molto a capodanno del 2001, quando eravate le uniche a festeggiare il VERO nuovo millennio. Shibbal. A capodanno del 2001 io non sono nemmeno riuscito a ubriacarmi. Comunque.

Bong Joon-ho ha diretto, per ora, quattro film e un corto, imprimendo un segno indelebile sugli anni zero e marchiando a fuoco il cinema coreano -e per estensione quello orientale, dato che laggiù si somigliano tutti. Se la Corea del Sud è finita in cima alle classifiche dei geek di tutto il mondo in questi ultimi dieci anni, quello di Bong è uno dei primi tre nomi a cui mi viene di attribuire il merito. L’altro è ovviamente Park Chan-wook (*_*) e il terzo è Kim Ki-duk, del quale dobbiamo ahimè parlare al passato giacché quattro-cinque anni fa è morto ed è stato rimpiazzato dal gemello motuleso. Ma basta coi bignami e dedichiamoci ai CONTENUTI.

INGREDIENTI:
Prenderò in esame i tre maggiori film di Bong Joon-ho, ossia:
- Memories of Murder (2003)
- The Host (il mostro grosso, 2006)
- Mother (quello che voi non avete ancora visto, 2009).
Lascio intenzionalmente fuori il suo corto inserito nel film a più mani Tokyo! (2008), perché ho deciso che non vale, e Barking Dogs Never Bite (2000), sia perché non ho avuto voglia di rivederlo, sia perché stando alle varie Margherite Hack delle mie palle non è un film degli anni zero.

MODALITA’ DI PREPARAZIONE:
Analizzerò i tre film in questione e noterò che in ciascuno di essi v’è una breve scena in cui un personaggio esegue un goffo doppio calcio volante (tipo un salto a piedi uniti in orizzontale, volto a colpire con media forza la vittima designata). Dichiarerò poi che questa è una coincidenza troppo grossa per essere ritenuta casuale, e trarrò quindi delle dotte conclusioni.

DOTTE CONCLUSIONI:
Svilupperò due diverse ipotesi per spiegare il misterioso ricorrere del doppio calcio volante goffo:
(1): esso è una sottile metafora o rispecchiamento della parabola del cinema orientale nel corso degli anni zero. Oppure
(2): Bong trova buffo vedere la gente che salta a piedi uniti in orizzontale.

Pronti? Cominciamo.

I DOPPI CALCI VOLANTI GOFFI NEL CINEMA DI BONG
In Memories of Murder, l’esecutore del doppio calcio volante goffo (d’ora in poi 2CVG) è il poliziotto ottuso interpretato da Song Kang-ho, che esegue l’atletico balzo per colpire una persona sospetta. Già da questo primo esempio si evince una delle caratteristiche fondamentali del 2CVG: è l’ultima cosa che a una persona normale verrebbe in mente di fare. Il rapporto sforzo fisico / garanzia di efficacia è a tutto svantaggio di quest’ultima. Il 2CVG è pura esibizione di una forza che però i personaggi non possiedono. In nessuno dei tre casi il 2CVG arreca seri danni alla vittima.

Spoiler: lo colpisce

In The Host, è lo zio della bambina a colpire il padre della bambina durante il piagnisteo delle veglia funebre collettiva.

Il calciante è a sinistra, il calciato a destra.

In Mother ce ne sono persino due in contemporanea: il protagonista ritardato e il suo amico un po’ stronzo si lanciano contro gli specchietti di una Mercedes per vandalizzarli. L’amico ci riesce, mentre il protagonista infila un liscio clamoroso e casca a terra spaccandosi.

Spoiler: lo manca.

L’IPOTESI (1)
Il 2CVG come sottile metafora o rispecchiamento della parabola del cinema orientale nel corso degli anni zero. Vediamo come.
- Memories of Murder: era il 2003, anno d’oro per la cinematografia coreana. Park spaccava il mondo con Oldboy, dando la stura a un improvviso fermento creativo che, se mi consentite, nessun’altra nazione in quel decennio avrebbe eguagliato. Il primo quarto degli anni zero è stato il momento della Corea rampante, sicura di sé, sbruffona e geniale che arrivava a scompigliare le carte in tavola, a fare le scarpe agli odiati giapponesi, a render paonazzo e infoiato Tarantino, ad andare in giro per i festival con la faccetta da ganassa e un martini in mano, ma col soju in luogo del gin. Ed ecco che, con questa sicumera in corpo, Bong rappresenta il suo paese come il forte poliziotto che si avventa a capofitto sullo spaesato sospettato (personificazione del cinema del resto del mondo, in manette) con un curioso balzo plastico e inatteso, spettacolare, fuori da ogni schema. Il primo 2CVG è l’affermazione di una crescita che, all’epoca, sembrava inarrestabile.
Ma attenzione: nel film, il sospettato si rivelerà ben presto essere un altro poliziotto, integerrimo e innocentissimo. Lo spavaldo poliziotto di campagna aveva calciato sì con spettacolarità e decisione, ma incappando in un sonoro equivoco. Che tutta questa sicumera sia almeno in parte infondata? Che questa scena contenga già, in nuce, il seme del declino? Sì. Chissà.

- The Host: 2006. La scena: una veglia funebre. Tutti piangono. Il personaggio di Song Kang-ho (ancora lui), omaccione vagamente ritardato con dei capelli da mentecatto, si becca un 2CVG dal fratello minore Park Hae-il, ex-studente brillante ma disoccupato e alcolizzato. Analizziamo la situazione. Innanzitutto, l’attore calciante del film precedente è diventato il calciato. Stavolta l’onore/onere del 2CVG tocca al personaggio di un fratello minore, un’ex promessa ormai disoccupata, uno che beve troppo, uno capace ma inerme, un personaggio secondario. Il fratello maggiore, invece, è grasso, coglione, ha le mèche ed è il protagonista. Pensate anche voi quello che penso io? Sì: il fratello maggiore è Luc Besson. E quello a cui stiamo assistendo è il calcio che la Corea indebolita tenta di assestare a uno dei peggiori occidentalizzatori che la storia ricordi. È il 2006, e siamo in piena mania da remake: gioie e dolori del riconoscimento globale.

PARENTESI: GLI ANNI ZERO, UN DECENNIO SENZA LUC BESSON. OR IS IT?
Nel 1999 Luc Besson commetteva Giovanna d’Arco, tentando di costruirsi una reputazione ultra arty e riuscendo invece a rovinarsi la carriera per sempre. Pensateci bene: cos’è questa piacevole sensazione di pulito, quest’aria fresca che abbiamo respirato negli ultimi anni? Come mai siamo tornati a sentire gli uccelli cinguettare? Forse non ce ne siamo resi conto, ma gli anni zero sono stati come quel soave momento in cui l’antifurto della macchina parcheggiata sotto casa smette finalmente di suonare. Aaah, che pace, che liberazione. Cos’è? È Besson che si è levato dal cazzo.

La sua idea di "presentabile"

O almeno così credevamo. Il fatto che egli si sia ormai ridotto a tristo macinatore d’infanzie non vuol dire che non abbia allungato la sua manona sul decennio. Guardate la sua pagina imdb e inorridite ripensando a quanta roba ha perpetrato da sceneggiatore/produttore/eminenza grigia, dai vari Taxi a tutti gli horror dei giovani registi francesi coi nomi ganzi che poi hanno invaso gli USA facendosi prendere a male parole, dai cacca e spada ai rimasticamenti di varia orientalità. Sì, i rimasticamenti di varia orientalità. Besson ci ha dato Wasabi (The Japanese Dip That Kicks Like a Mule). Besson ci ha dato Danny the Dog. Besson ha scritto Kiss of the Dragon, che Jet Li ancora non ci dorme la notte. Besson è il soggettista di Yamakasi (Les samouraïs des temps modernes). Se è vero che, per quanto riguarda la mania del remake occidentalizzato di roba orientale bella nella metà degli anni zero, i peggio danni li hanno fatti gli yankee (ampiamente sbeffeggiati in The Host), niente riuscirà a togliermi dalla mente il fatto che Luc Besson sia esistito e ancora esista. E sono convinto che The Host sia anche una riflessione/reazione all’allora imperante moda del remake: Bong gioca sul terreno degli occidentali, li ribalta come calzini, ne esce mestamente vincitore (perché le grandi platee mondiali staranno sempre dalla parte del fratello maggiore) e si permette pure un 2CVG a Besson. Hai detto nulla.

- Mother. Ultimo 2CVG al volger del decennio. Un film minore, intimista, antispettacolare, girato da dio. Che fine ha fatto il cinema coreano nell’ultima tranche della decade? Non granché. Kim Ki-duk è spirato. Park si è messo a fare il cazzo che gli pare, alienandosi un po’ tutti tranne le persone intelligenti, sempre più in netta minoranza. La Corea non sforna più un giovane e geniale regista al minuto come faceva qualche anno fa, è uscita un po’ dai radar, ogni tanto se ne esce con sonore cacate e nemmeno gli americani se la remakano più. E il resto dell’oriente? Miike ormai non si capisce più cosa ha diretto e cosa no, può aver fatto tutto come nulla, ha esagerato, il troppo stroppia, non so. Tsukamoto dio ci scampi. Zhang Yimou ha finito i colori. I giovani scarseggiano. I giovani bravi scarseggiano dappertutto. L’Oscar come film straniero a Departures, pensatela come volete, ma per me non fa che confermare il trend. Non esce più un brillante e sovvertitore film orientale di un nuovo promettentissimo autore da molto, molto tempo. Ed ecco che Bong ci mostra due disgraziatelli di provincia, di cui uno ritardato, che si avventano sugli specchietti retrovisori di una Mercedes Benz parcheggiata in un golf club. Non resta che la frustrazione del vandalo contro lo strapotere dell’industria occidentale. Un mesto finale. La fortuna è una ruota.

IPOTESI (2)
Bong trova buffo vedere la gente che salta a piedi uniti in orizzontale.
Io propendo per questa.

Buon decennio.

"Lo infilzo io il cugino It o fate voi col computer?"

DVD-quote suggerita:

“Ridatemi i miei soldi, ipocriti!”
Nanni Cobretti, i400calci.com

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Oggi quelli che vanno in skateboard sono tutti nella pubblicità dei Pavesini. Gli anni Novanta, che io mi ricordi, non hanno un corrispettivo… Se vi viene in mente qualcosa del genere, fatecelo sapere nei commenti. Ma arriviamo al nuovo secolo. La riprova del rincoglionimento totale di quella promessa che era Luc Besson arriva sotto forma di film da lui scritto: Yamakasi -- I nuovi samurai. La storia: dei giovani della banlieue devono trovare i soldi necessari per far operare un piccolo e tenero bambino malato di cuore. Questa straordinaria idea leggerissimamente ricattatoria, si sviluppa attorno a una nuova disciplina nata proprio nei bassifondi parigini. I protagonisti del film esistono veramente e si sono inventati questa sorta di atletica che sfrutta gli elementi urbani per -- fondamentalmente -- volare da un palazzo all’altro nel modo più spettacolare possibile. La disciplina si chiama Yamakasi, anche se con questo termine solitamente si indica il gruppo di protagonisti del film. Meglio parkour. Il film non lo guardo nemmeno se mi date voi dei soldi, ma sono pronto a scommettere che è una cagata. Ma i nostri cugini transalpini non solo si puppano orrendi film dove solitamente ci sono delle donne nervose alle prese con montagne di piatti da lavare e “dolorose” situazioni familiari, ma anche ogni cazzata che rechi il marchio Luc Besson. Per cui l’anno successivo esce The Great Challenge -- I Figli del Vento che poco centra con Yamakasi ma viene spacciato erroneamente come sequel. E comunque non è che ci si possa lamentare, oh: gente che salta da un tetto all’altro. Non è che serva una vera e propria storia.

Luc Besson che con quest’ultimo film non c’entra niente, si vendica (a nostre spese) con Banlieue 13 e successivamente con il suo seguito, datato 2009, Banlieue 13: Ultimatum. Andiamo con ordine. Banlieue 13 non è male. Il grandissimo David Belle, fondatore del parkour, è Leito, un abitante de la banlieue che assomiglia a Ted Mosby di How I Met Your Mother, ma in canottiera e con dei tatuaggi brutti che tanta di essere buono quando tutto attorno a lui sembra andare verso il peggio senza possibilità di redenzione, gli rapiscono la sorella e ce la drogano forte. Cyril Raffaelli, uno sbirro incredibilmente forte nelle arti marziali viene spedito dai suoi superiori cattivi e senza scrupoli nel quartiere del titolo con lo scopo di fermare un razzo (ah, oh.. chevvedevodì?). Dopo una iniziale diffidenza, i due formeranno un tag team niente male fatto di zompi da un tetto all’altro e di mazzate ben coreografate. La storia non sta in piedi neanche per isbaglio, ma il film scorre via piacevole. E le sequenze di parkour fanno veramente impressione. Il seguito del film è piuttosto deludente. Ancora una volta la eco carpenteriana -- già evidente nel titolo -- serve per (tentare di) costruire una blanda fotocopia in bianco e nero di un film che sfrutti l’idea di dead line in maniera decente. Ancora una volta si mettono vicini due stili di lotta differenti ma tutti e due estremamente spettacolari. Ancora una volta la storia è un pretesto per sequenze action ben realizzate. E chi chiede di più? Peccato però che in realtà la messa in scena non sia all’altezza del primo, e che il tutto venga immerso in una sorta di populismo che ti dovrebbe far provare simpatia per dei figuranti di un video dei gemelli Diversi. farteli vedere come degli eroi metropolitani dalla morale più alta di quello che si potrebbe immaginare dato che vengono da una zona di poveracci straccioni. Machissenefrega.

DVD-quote suggerita:

“Tolto qualche buon momento uno sbadiglio dietro l’altro…”
Casanova Wong Kar Wai, i400calci.com

"Quella bestia non è mio papà!"

Ma il problema è proprio quello dell’invecchimento prematuro del parkour. Dopo un po’ ti accorgi che più di tanto non ci puoi fare e alla fine le sequenze di quel tipo tendono tutte ad assomigliarsi un bel po’. Torniamo indietro di qualche anno. Due anni dopo l’uscita di Banlieue 13, il parkour si prepara ad attraversare l’oceano e gli viene affidato addirittura la sequenza d’aperura di Casino Royale, pellicola che segna il rilancio di James Bond. Ed eccolo qui il momento d’oro del parkour, quello dopo il quale possiamo serenamente dire “Tutto il resto è noia!” (da 1,10′ in avanti anche se le cose più fighe le fa da 4,40)

Il tutto grazie a Sebastian Foucan che è un mostro ma che -- e qui c’è la beffa -- parkour non fa! Ebbene sì perché quest’ultimo, discepolo proprio di David Belle, è il fondatore del 3Run o Free Running, conosciuto anche come il parkour di seconda generazione. L’alunno che supera il maestro. E che comunque dopo questa apparizione cinematografica veramente incredibile, ha esaurito la sua carica spettacolare ed è finita, come lo skateboard prima di lui, in qualche spot televisivo o in qualche video musicale che segna il passaggio mainstream di qualche artista poco prima fieramente underground. Che cosa giovane e dinamica! Ma la spallate definitiva, kids, l’ha data il nostro Punitore preferito nella sequenza più bella degli ultimi 57 anni di Cinema.

Badabum (cha cha)!